3 просмотров
Рейтинг статьи
1 звезда2 звезды3 звезды4 звезды5 звезд
Загрузка...

Все работы розового периода по годам

«Розовый» период

«Розовый период» в творчестве Пикассо был относительно недолгим (с осени 1904 года до конца 1906-го) и не вполне однородным. Однако большое количество картин отмечено светлым колоритом, появлением жемчужно-серых, охристых и розово-красных тонов; появляются и становятся доминирующими новые темы – актеры, акробаты, атлеты. Цирк Медрано, располагавшийся у подножия Монмартрского холма, безусловно, давал массу материала для художника. Театральность во многих ее проявлениях (костюмы, акцентированные жесты), разнообразие типов людей, прекрасных и безобразных, юных и взрослых, будто вернули художника в мир несколько преображенных, но реальных форм, объемов, пространств; образы вновь наполнились жизнью в противоположность персонажам «голубого периода».

Уже на выставке в галерее Серюрье (25 февраля — 6 марта 1905 года) были показаны картины, знаменующие начало нового этапа творчества мастера: «Актер» и «Сидящая обнаженная». Также к началу «розового периода» относятся замечательные «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын». Одним из признанных шедевров этого периода является полотно «Семейство комедиантов», которое отличает также и значительный размер (более двух метров по высоте и ширине) и соответствующая ему амбициозность замысла.

Интерес к классической форме проявился в «Обнаженных» 1906 года. Образы молодых людей, женщин (например, в «Мальчике, ведущем лошадь» или в «Туалете») демонстрируют красоту и редкую в творчестве Пикассо безмятежность, что вполне укладывается в традиционную эстетику прекрасного.

Однако в том же 1906 г. путешествие в Испанию, в Госоль — небольшую деревню в каталонских Пиренеях — дало толчок новым поискам художника. Лицо, которое стремится стать маской уже дает знать об этих импульсах.

Все работы розового периода по годам

Пока в душе Пабло Пикассо бушевали страсти и отчаяние, порожденные самоубийством близкого друга Карлоса Касагемаса, его картины окрасились в глубокие синие оттенки. В один из мрачных дней «Голубого периода» товарищ художника, Макс Жакоб, сделал предсказание: «Все линии на твоей ладони будто ответвляются от линии удачи. Она — словно первая искра фейерверка; такая четкая звезда встречается очень редко и только у тех, кому предначертаны большие свершения». Трудно сказать, обладал ли Макс каким-то мистическим даром, но эти слова вскоре стали воплощаться в жизнь. Наступала пора перемен. В 1904 году Пабло Пикассо справился с депрессией, переехал в Париж и ступил на тропу, которая повела его к великой славе.

На момент возвращения в Париж Пикассо было 23 года. Первым делом после приезда художник снял себе жилье на Монмартре — в доме №13 на улице Равеньи. Странное полуразрушенное здание, которое представляло собой «дерево, жесть, грязные стекла и торчащие в разные стороны печные трубы», местные жители прозвали Бато Лавуар — «плавучая прачечная». Здесь располагалось тридцать мастерских, на которые приходился единственный кран — и тот с холодной водой.

Компанию Пикассо составили белая мышь и две собаки — фокстерьер Гат и дворняга Фрика. Постоянный хаос, разруха и вечные гости-испанцы — так выглядела обитель Пикассо. В этот период Пабло много работал, искал себя и экспериментировал. Пробовал даже заняться боксом, но быстро к нему охладел. Голубой цвет все еще главенствовал в его картинах, но постепенно на холстах стали проступать новые оттенки: свежие и очаровательно розовые, словно отблески зарождающегося восхода — признаки зажегшихся на горизонте лучиков перемен.

4 августа 1904 года в городе разразилась гроза. Пикассо направлялся домой, когда ему на пути встретился бездомный котенок. Художник, у которого дома и так уже собрался целый зверинец, решил подобрать животное — и в этот же день нашел ему хозяйку. При подходе к «прачечной» он столкнулся с промокшей до нитки девушкой. Ее необычайная красота поразила Пабло, и в качестве приветствия он… сунул ей в руки котенка. Оба расхохотались, и Пикассо пригласил красавицу к себе в студию. Ее звали Фернанда Оливье (настоящее имя — Амели Ланг), она стала первой женщиной в жизни Пикассо, которую он по-настоящему полюбил. Незнакомка надолго оставалась не только обожаемой любовницей, но и музой, наполнявшей вдохновением серые будни художника.

Фернанда и Пикассо были ровесниками. Девушка родилась в Париже, в еврейской семье шляпочников. Хотя на момент знакомства Фернанда жила с другим испанским художником — Иоахимом Суньером, роман с Пикассо разгорелся в первый же день их знакомства. В путаных фактах биографии, рассказанных ей самой, были истории о двух неудачных замужествах и ребенке, пропавшем бесследно вместе с первым мужем.

Пабло впервые за долгое время почувствовал себя действительно счастливым: статная очаровательная девушка, на которую заглядывались мужчины, проводила с ним все дни и ночи. Это тешило его самолюбие и поднимало до небес самооценку. Рядом с ней он чувствовал себя желанным, нужным и мужественным.

Фернанда позже так вспоминала их знакомство: «…в нем не было ничего особенно соблазнительного, однако его настойчивость, выражавшаяся буквально во всем, привлекала к себе внимание. Его невозможно было отнести к какой-то категории людей, но то сияние, тот внутренний огонь, какой чувствовал в нем всякий, порождал своего рода магнетизм, которому я была не в силах противиться».

Читать еще:  Обработка роз осенью перед укрытием на зиму

Для Фернанды эти отношения были чем-то естественным и понятным: она и до этого встречалась с мужчинами и даже бывала замужем. Но для Пикассо, который впервые переживал серьезные чувства, все было в новинку. В том числе и ревность. Постепенно его сердце стал наполнять страх, что Фернанда может уйти от него к другому (хотя поводов для этого, судя по всему, не было).

Пабло стал ревновать ее ко всем без разбору: продавцам, прохожим, коллегам-художникам. Он хотел упрятать ее подальше от всего белого света. Фернанда позже писала об этом периоде: «Помнит ли еще Пикассо юную подругу, которая часто позировала ему? В ту пору она месяцами не могла выйти из дому, так как ей не во что было обуться. Помнит ли он зимние дни, когда приходилось оставаться в постели, так как было не на что купить угля, чтобы обогреть ледяную мастерскую? А маленькие праздники? И стопки книг, купленных у букиниста на улице Мартир? Мне необходимо было чем-то занимать себя — Пикассо, с его болезненной ревностью, держал меня взаперти. Но у меня были чай, книги, диван и почти отсутствовали домашние обязанности, так что я была счастлива, очень счастлива».

Несмотря на кромешную нищету, молодые люди любили друг друга и находили счастье в самых простых вещах. В их тесном жилище художник соорудил алтарь имени Фернанды. Постамент состоял из деревянного ящика, обитого красной тканью, на нем стояли ее портрет, голубая ваза с искусственными цветами, и здесь же хранилась белая льняная блуза. Именно в ней Фернанда была в первый день их знакомства. Своим легким нравом и оптимизмом девушка прекрасно уравновешивала непростой характер Пикассо. Вместе с ее появлением в жизнь художника впервые пришли стабильность и гармония с самим собой.

Пикассо и Оливье прожили вместе почти десять лет: от этого периода осталось большое количество портретов Фернанды и разнообразных женских образов, написанных с нее.

«Сидящая обнаженная», 1905 год

«Лежащая обнаженная», 1906 год

«Женщина с хлебами», 1906 год

Внезапная любовь и романтические настроения окрасили полотна Пикассо в новые цвета. Постепенно угрюмых нищих и стариков сменили жизнерадостные циркачи, арлекины и акробаты — персонажи, с которыми он знакомился в цирке Медрано около Монмартрского холма. Теперь главным цветом его картин стал выразительный жемчужно-розовый.

Смысловой подтекст тоже поменялся: в сюжетах появились нежность, трогательность сопереживания и «неуловимая хрупкость момента». «Розовый период» длился всего два года (с 1904 по 1906 год) и стал знаковым переходом от «личного» творчества, наполненного эмоциями и переживаниями, к смелым и новаторским экспериментам в искусстве, которые вскоре принесут Пикассо всемирную славу.

«Семья комедиантов», 1905 год

«Сидящий Арлекин», 1905 год

«Акробат и юный Арлекин», 1905 год

«Мальчик с трубкой», 1905 год

«Мать и сын», 1905 год

Калеки и убогие, которые раньше представали на картинах в удручающих синих и черных тонах, сменились бродячими артистами и циркачами. Теперь Пикассо видит людей вокруг не через призму депрессии, а через новые «розовые» очки. И пусть их жизнь несовершенна, пусть в ней есть грусть, суровый быт и нужда — художник принимает своих героев такими, какие они есть: сильными и немощными, счастливыми и подавленными, нелепыми и трогательными. Главное, образы вновь наполнились жизнью, тьма «Голубого периода» постепенно отпускает художника. Что интересно, Пикассо часто изображал в роли Арлекина самого себя (например, в картине «В кабаре Лапин Агиль»), а в роли других персонажей — своих друзей.

«Автопортрет с палитрой», 1906 год

«В кабаре Лапин Агиль, 1905 год

Образ самого Пикассо тоже трансформировался. На автопортретах «Розового периода» он молод, полон сил и вдохновения. Формы композиции просты, во взгляде чувствуется уверенность, одухотворенность и жажда жизни.

Один из главных шедевров «Розового периода» — картина «Девочка на шаре». На ней изящная юная девушка, улыбаясь, балансирует на шаре. Рядом с ней на массивном кубе восседает крупный широкоплечий атлет. Красота здесь проходит по тонкой грани: между мужской силой и хрупкой женственностью, стабильностью и гибкостью, фундаментальностью и легкостью. Но самое главное заключается в том, что они — девочка и атлет — неделимы: в любой момент фигурка на шаре может потерять равновесие и упасть, но в версии Пикассо атлет обязательно удержит ее. А, если представить, что девушки на картине нет, юноша-атлет покажется бесконечно одиноким.

Стоит заметить, что дни «Розового периода» не были сплошь усыпаны розами и любовными воздыханиями. Оптимистичные ноты в жизни и творчестве Пикассо действительно появились, но и бытовые трудности никуда не пропали. Художник, который по-прежнему живет впроголодь, продолжает искать себя и свое место в этом мире: картины не покупают, денег на жизнь не хватает, амбиции зашкаливают. В поисках вдохновения Пикассо даже отправляется (с двадцатью франками в кармане) в Голландию, по возвращении откуда его ждет знаковое событие — знакомство с Лео и Гертрудой Стайн, которое становится предвестником глобальных перемен в жизни художника. Обеспеченные американцы с ходу покупают у Пикассо картину «Девочка с цветочной корзинкой» и буквально за руку вводят его в круг парижской богемы, среду авангардных идей и новейших художественных течений.

Читать еще:  Как делают цветные розы

Позже Гертруда Стайн так описывала их знакомство: «Пикассо все больше и больше становился французом, потому и начался его «розовый» или «арлекинский» период. Потом он освободился от этого цирка и изящной французской поэзии, он освободился от них так же, как освободился от «голубого периода», и вот тогда-то, в конце «арлекинского периода», я и познакомилась с ним Первой его картиной, которую мы купили, была «Девочка с цветочной корзиной». Она была написана на взлете этого «арлекинского периода» и исполнена изящества, тонкости и очарования. Потом мало-помалу его рисунок отвердевал, линия становилась жестче, колорит мощнее, что естественно, поскольку он уже был не юношей, а мужчиной».

Встреча с Гертрудой Стайн и ее братом предвосхитила другое важное событие: Апполинер Гийом привел в мастерскую Пикассо владельца картинной галереи Амбруаза Воллара. К неподдельному шоку всех присутствовавших он изъявил желание купить у Пикассо тридцать картин за две тысячи франков. В то время на такую сумму можно было безбедно прожить три года.

Счастье уверенно постучало в дверь художника. Отмечать удачную продажу картин Пабло и Фернанда отправились на родину художника — в Испанию, где путешествовали по местам юности Пикассо, встречались с родственниками и старыми знакомыми. Наконец-то он доказал сам себе и остальным, что стал серьезным и самостоятельным мужчиной, которого к тому же сопровождала такая обаятельная спутница. В поездке Пабло продолжал любоваться красотой своей пассии и постоянно писал ее портреты. Однако в некоторых работах, таких как «Гарем», прозвучали отголоски новых течений в их отношениях. Здесь с Фернанды Пикассо написал все четыре женские фигуры, но это не образы его любимой женщины. Это образы отстраненных красавиц, которыми любуются другие.

Мода и культура

Вы здесь

Голубой и розовый период в творчестве П. Пикассо

Акробат и молодой Арлекин 1905

«Голубой» и «розовый» периоды в творчестве испанского художника Пабло Пикассо — это время формирования индивидуального стиля художника. В это время происходит отход от импрессионизма, наследования стилистик Тулуз-Лотрека, Дега и других известных художников.

«Голубой» период (1901-1904)

Свое название он получил из-за общей тональности картин, выполненных в сине-голубой гамме, объединенных настроением отчаяния и одиночества. Одними из первых работ этого периода стали «Автопортрет» (1901) и «Любительница абсента» (1901). Большая часть героев картин Пикассо – это представители низших слоев общества, обездоленные, больные или порочные люди. Среди более поздних «голубых» работ стоит отметить картины «Голова женщины» (1902-1903), «Завтрак слепого» (1903), «Старый еврей с мальчиком» (1903), «Гладильщица» (1904). В эстетическом отношении важным является переход к новым способам изображения, исключение из композиции лишних деталей, и ряд других решений, позволяющих сосредоточить внимание зрителя на эмоциях, вызываемых картиной. В тоже время в полной мере считать эти работы Пикассо самобытными нельзя, т.к. в них частично использованы мотивы и приемы, характерные для испанской живописи. На формирование такого эмоционального настроя картин сильно повлияли жизненные реалии. Начало «голубого» периода связано с самоубийством близкого друга художника Карлоса Касагемаса в 1901 году. Близость смерти, одиночество, вынужденное возвращение в Барселону в 1903 году из-за нехватки средств оказали влияние на депрессивность картин.

«Девочка на шаре» — равновесие между жизнью и смертью

Девочка на шаре. 1905

Эта картина, написанная в 1905 году, является характерным произведением переходного периода. Времени, когда боль, отчаяние и страдание в картинах художника постепенно уходят, их заменяет интерес к живым человеческим радостям, олицетворением которых стали циркачи и артисты. Содержание этого произведения, построенного на контрастах (движение и статика, девочка и атлет, легкость и тяжесть и др.), вполне соответствует символике перехода между горечью смерти и радостями жизни.

«Розовый» период (1904 — 1906)

Постепенный переход к «розовому» периоду в творчестве обозначился еще 1904 году, когда в жизни художника стали происходить позитивные перемены: переезд в кипучий центр авангардной жизни – в общежитие художников на Монмартре, влюбленность в Фернанду Оливье, знакомство со множеством интересных людей, среди которых были Матисс и Гертруда Стайн. Главной темой работ этого периода, выполненных розовых, красных, жемчужных тонах становятся комедианты цирка Медрано. Картины отличаются разнообразием сюжетов, динамикой и движением. При этом художник продолжает развивать индивидуальный стиль, сформированный еще в «голубом» периоде. К этому времени относятся работы «Акробат и молодой Арлекин» (1905), «Семейство комедиантов» (1905), «Шут» (1905) и др. В конце «розового» периоа в картинах Пикассо появляются образы, навеянные античными мифами: «Девочка с козлом» (1906), «Мальчик, ведущий лошадь» (1906), проявляется интерес к изображению обнаженной натуры «Причесывание» (1906), Обнаженный мальчик (1906).

Читать еще:  Нужно ли обрезать вьющуюся розу

Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо

Картины «классического» периода

На протяжении всей жизни любого художника по обыкновению прослеживается изменение почерка, характера или даже стиля. Это явление можно заметить и у самых знаменитых живописцев — от почти что вынужденного перехода Моне к абстракции в конце жизни, до перехода Ван Гога к ярко выраженной цветовой палитре. Хотя подобные изменения характерны для большинства мастеров живописи, особенно сильно они наблюдаются в картинах Пабло Пикассо.

Его карьера, которая охватывала почти 80 лет, имела успех не только в живописи, но и в скульптуре, керамике, дизайне и сценической деятельности. Поэтому стремление Пикассо к экспериментам неудивительно. Для прослеживания стилистической эволюции Пабло Пикассо искусствоведы разделяют его творчество на несколько периодов: «ранний период», «голубой период», «розовый период», «африканский период», «кубизм», «классический период», «сюрреализм», военный и послевоенный периоды и период поздних работ.

Ранний период

Пикассо начал писать в раннем детстве — в его первых картинах образы обладали максимальным сходством с оригиналом, как и цветовая палитра.

«Портрет матери художника», 1896 год

«Знание и милосердие», 1897 год

Картины раннего периода

«Голубой» период

С 1902 года Пабло Пикассо начал писать в стиле, в котором были ярко выражены темы старости, смерти, нищеты и печали. В цветовой палитре художника начали преобладать голубые оттенки. В этот период Пабло писал, в основном, образы низших слоёв общества: алкоголиков, проституток, нищих и других людей.

«Свидание (Две сестры)», 1902 год

«Завтрак слепого», 1903 год

Картины «голубого» периода

«Розовый» период

В 1904 году Пабло Пикассо начал отдавать предпочтение розовым тонам, создавая образы из мира театра и цирка. Его персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, акробаты или танцовщики.

«Акробат и молодой Арлекин», 1905 год

«Акробаты (Мать и сын)», 1905 год

Картины «розового» периода

«Африканский» период

Короткий период, который пришёлся на 1907-1908 годы, был навеян архаичным искусством Африки, с которым Пикассо познакомился на выставке в музее Трокадеро. Для художника это стало настоящим открытием — простые, а где-то даже примитивные, формы древних скульптур показались Пабло Пикассо удивительной особенностью, которая несла в себе огромный художественный заряд.

«Авиньонские девицы», 1907 год

«Автопортрет», 1907 год

Картины «африканского» периода

Кубизм

Увлечение африканской скульптурой привели Пабло к абсолютно новому жанру. Отказ от реалистичной имитации окружающего мира привёл художника к упрощению очертаний человеческих образов и предметов, которые затем стали превращаться в геометрические блоки. Вместе с французским художником Жоржем Брако, Пабло Пикассо стал родоначальником кубизма — направление, отвергающее традиции натурализма.

«Скрипка и гитара», 1913 год

«Портрет Амбруаза Воллара», 1915 год

«Классический» период

На переход с кубизма на живопись, которая была бы более «читаемой», повлияли как внутренняя потребность Пикассо, так и внешние факторы. В этот период художник сотрудничал с балетной труппой Сергея Дягилева, а также женился на Ольге Хохловой. Не удивительно, что она хотела бы узнавать себя в портретах, но одно лишь пожелание жены никак не повлияло бы на творчество Пикассо, если бы не его тяга к переменам.

Портрет Ольги в кресле, 1917 год

Купальщицы, 1918 год

Картины «классического» периода

Сюрреализм

Знакомство с Марией Терезой Вальтер, а также общение с сюрреалистами, повернули Пабло Пикассо в сторону сюрреализма. Переход к этому направлению можно описать его же выражением: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».

Фигуры на пляже, 1931 год

Женщина с цветком, 1932 год

Война и послевоенный период

Нависшая над Европой угроза, а также страх перед войной, заставили Пикассо если не прямо отражать настроение на полотне, то придавать картинам мрачность и трагизм. Послевоенное же творчество художника можно назвать счастливым — в работах художника прослеживается остроумие и отсутствие мрачных сюжетов.

«Плачущая женщина», 1937 год

«Палома с целлулоидной рыбой», 1950 год

Картины военного и послевоенного периодов

Поздние работы

Вплоть до своей смерти Пабло Пикассо продолжал рисовать. Однако, в отличие от его предыдущих работ, произведения, созданные в это время, не классифицируются в определенный стиль, так как многие его работы включают в себя разнообразные элементы прошлых периодов. Работы последних 15 лет творчества Пикассо очень разнообразны и неравны по качеству.

голоса
Рейтинг статьи
Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector